what is this feeling song

Il ronzio elettrico delle luci di scena satura l'aria polverosa del retropalco, un odore di lacca e sudore freddo che ogni attore di musical conosce come la propria pelle. In un angolo buio del Gershwin Theatre di New York, due giovani donne si fissano con un’intensità che rasenta l’odio, ma i loro occhi tradiscono una scintilla diversa, una sorta di riconoscimento elettrico che precede il primo accordo di tastiera. Non è ancora il momento della gloria, non è il numero finale che strappa le lacrime, ma è qui, in questo istante di sospensione, che nasce la magia di What Is This Feeling Song, un brano che ha ridefinito il concetto di rivalità nel teatro contemporaneo. Le dita di Kristin Chenoweth giocherellano con i volant del suo vestito rosa, mentre Idina Menzel stringe il manico di una scopa con una forza che le sbianca le nocche. Fuori, oltre il pesante sipario di velluto, il pubblico mormora, ignaro che sta per assistere a una rivoluzione sonora travestita da commedia musicale.

Il mondo del teatro musicale, prima dell'avvento di Wicked nel 2003, cercava spesso di incasellare i sentimenti in categorie pulite: l'amore, l'ambizione, il dolore della perdita. Stephen Schwartz, il compositore dietro questo fenomeno globale, decise invece di esplorare quella zona grigia e appiccicosa che si trova esattamente al centro tra l'avversione viscerale e l'ammirazione forzata. Quando si parla di questa composizione, non si parla semplicemente di un duetto tra due studentesse che non si sopportano, ma di un esperimento psicologico messo in musica. Il ritmo è serrato, quasi ansioso, riflettendo la tachicardia di chi si trova costretto a condividere uno spazio vitale con il proprio opposto polare. La melodia non cerca di compiacere l'orecchio con armonie dolci; si scontra, rimbalza sulle pareti della scenografia, creando una tensione che il pubblico avverte fisicamente sulla sedia.

L'Architettura dell'Animosità in What Is This Feeling Song

Per comprendere la portata di questo brano, occorre guardare oltre la facciata scintillante dei costumi di scena. Schwartz ha strutturato il pezzo come una fuga di pensieri contrastanti. Mentre Glinda canta la sua incredulità di fronte a una creatura così diversa da lei, Elphaba risponde con una linea melodica che sembra un’arma affilata. È un contrappunto moderno che affonda le radici nella musica classica, ma viene sputato fuori con la foga del pop. Gli esperti di musicologia spesso citano come la struttura ritmica di questa sezione specifica rompa gli schemi tradizionali del genere. Invece di seguire una progressione lineare, il brano si frammenta in brevi raffiche di parole, un ping-pong verbale che imita perfettamente il modo in cui i giovani elaborano il rifiuto e la curiosità.

La bellezza risiede nel fatto che il titolo stesso è una domanda aperta. Quello che inizialmente viene etichettato come "odio puro" dalle protagoniste, si rivela essere il primo mattone di un'amicizia che cambierà il destino di un regno intero. È un paradosso uditivo. Gli spettatori ridono per le battute taglienti, ma nel profondo avvertono la vibrazione di un legame che sta nascendo. Questa dualità è ciò che ha permesso alla canzone di superare i confini di Broadway per diventare un inno generazionale, cantato in migliaia di camerette da adolescenti che cercavano un modo per dare voce alle proprie complicate dinamiche sociali.

Il Peso Specifico della Dissonanza

All'interno della composizione, l'uso degli intervalli musicali gioca un ruolo fondamentale. Quando le due voci si incrociano, spesso creano delle dissonanze temporanee che si risolvono solo alla fine della frase. Questo non è un errore di scrittura, ma una scelta deliberata per riflettere lo stato mentale di Elphaba, l'outsider dalla pelle verde, e Glinda, la bionda popolare. La dissonanza è il suono dell'incompatibilità che cerca una via d'uscita.

Nella produzione originale, la direzione orchestrale premeva sull'acceleratore durante i passaggi più concitati, costringendo le interpreti a una prova di resistenza vocale e fisica. Non c'è spazio per respirare profondamente tra una strofa e l'altra. L'emozione deve essere proiettata fino all'ultima fila del loggione, dove un ragazzino seduto con i genitori potrebbe per la prima volta capire che l'odio non è sempre la fine di una storia, ma a volte ne è solo il preludio necessario.

Dietro la facciata dello spettacolo, la storia di come questa melodia sia arrivata sul palco è costellata di dubbi e revisioni. Schwartz ha raccontato in diverse occasioni come il brano abbia rischiato di essere molto diverso, forse più convenzionale. Ma l'intuizione di trasformare un momento di stizza in un grande numero corale, coinvolgendo l'intera scuola di Shiz, ha elevato la scena da un semplice battibecco a una riflessione sociologica sul pregiudizio di gruppo. Il coro dei compagni di classe funge da cassa di risonanza per l'antipatia di Glinda, isolando Elphaba e rendendo la sua risposta ancora più potente e necessaria.

Si consideri l'effetto che questo momento ha avuto sulla cultura pop italiana ed europea. Quando il musical ha iniziato a viaggiare, tradotto in decine di lingue, il nucleo emotivo del brano è rimasto intatto. Anche se le parole cambiavano, l'energia sprigionata da quella domanda iniziale rimaneva universale. In Italia, i fan della prima ora ricordano ancora l'emozione delle prime versioni non ufficiali che circolavano nei forum online, prima ancora che il musical diventasse un fenomeno di massa. Era il segno di un bisogno profondo di storie che non semplificassero la realtà, che accettassero la complessità di sentirsi attratti da ciò che apparentemente respingiamo.

Il teatro è un luogo di specchi. Quello che vediamo sul palco è spesso una versione amplificata di noi stessi. In quella stanza d'albergo condivisa a Shiz, vediamo le nostre prime esperienze scolastiche, i nostri fallimenti sociali e la paura costante di non essere accettati. La musica funge da catalizzatore, permettendoci di ridere di quella paura. La genialità dell'opera sta nel fatto che non ci chiede di scegliere una fazione, ma di riconoscerci in entrambe le ragazze. Siamo tutti Glinda quando giudichiamo dalle apparenze, e siamo tutti Elphaba quando ci sentiamo osservati come se fossimo alieni in una terra straniera.

La Trasformazione di What Is This Feeling Song in un Inno di Resistenza

Con il passare degli anni, il significato di questo momento narrativo è scivolato fuori dai confini della sceneggiatura originale. Quella sensazione descritta con tanta foga è diventata un simbolo per chiunque si sia sentito "diverso" o "sbagliato". Non è più solo una questione di rivalità tra coinquiline, ma un manifesto sulla percezione dell'altro. La forza del brano risiede nella sua onestà brutale: non cerca di indorare la pillola. L'odio viene ammesso, urlato, quasi celebrato, e proprio in questa ammissione risiede la chiave per il suo superamento.

Molti psicologi hanno analizzato il testo come un esempio perfetto di proiezione. Le protagoniste proiettano l'una sull'altra le proprie insicurezze. Glinda vede in Elphaba una sfida al suo potere basato sulla bellezza; Elphaba vede in Glinda tutto ciò che il mondo le ha negato. La musica cattura questo scambio di energie negative e lo trasforma in qualcosa di cinetico, di vitale. È una catarsi collettiva che esplode ogni sera nel buio della sala, un rito che si ripete da decenni e che non sembra perdere un grammo della sua potenza iniziale.

Nelle accademie d'arte drammatica di tutto il mondo, questo pezzo viene studiato non solo per la sua difficoltà tecnica, ma per la capacità di richiedere un'attenzione totale al sottotesto. Un'attrice non può limitarsi a cantare le note correttamente; deve trasmettere quel senso di smarrimento viscerale. È una danza sul filo del rasoio tra la farsa e il dramma psicologico. E mentre le luci si abbassano e l'orchestra attacca il tema principale, il pubblico sa che sta per assistere a un momento di verità che raramente si trova in altre forme d'arte.

Oltre l'aspetto tecnico e accademico, c'è un elemento puramente umano che lega ogni spettatore a quella melodia. È il ricordo di quella volta in cui abbiamo incontrato qualcuno che ci ha fatto ribollire il sangue, per poi scoprire che quella persona sarebbe diventata la più importante della nostra vita. È l'incertezza del primo impatto, il brivido di un'antipatia che nasconde una connessione troppo profonda per essere ignorata. What Is This Feeling Song cattura questo esatto millisecondo di confusione umana e lo congela nel tempo, permettendoci di osservarlo da vicino, di analizzarlo e, infine, di cantarlo a squarciagola.

La produzione originale di Wicked ha visto passare decine di attrici nel ruolo di Elphaba e Glinda, ognuna portando una sfumatura diversa a questo scontro. Alcune interpretazioni puntano più sull'aspetto comico, altre scavano nel dolore del rifiuto. Ma indipendentemente dall'attrice, il cuore del brano rimane la sua capacità di farci sentire vivi. È un promemoria costante che le nostre emozioni, anche quelle più oscure e complicate, hanno una loro dignità e una loro bellezza se trasformate in arte.

Camminando oggi per Broadway, o visitando i teatri di Londra e Amburgo, si percepisce ancora l'ombra lunga di questo successo. Le locandine cambiano, i volti nuovi sostituiscono i vecchi, ma quella domanda posta in musica continua a risuonare. Non è solo intrattenimento; è un pezzo di storia culturale che ha insegnato a milioni di persone che la prima impressione è solo un punto di partenza, non una destinazione finale. La canzone ci invita a dubitare dei nostri stessi sentimenti, a chiederci se quello che proviamo sia davvero odio o semplicemente la paura di scoprire qualcuno che ci somiglia troppo.

Il finale del brano è una frenesia di suoni e voci che culmina in un accordo secco, lasciando il pubblico senza fiato. È un momento di silenzio improvviso che pesa quanto un intero monologo shakespeariano. In quel vuoto sonoro, le due ragazze si guardano, esauste e cariche di una tensione che non si è ancora sciolta, ma che ha cambiato direzione. Il viaggio è appena iniziato, eppure tutto è già stato detto. Non serve un riassunto delle puntate precedenti né una spiegazione didascalica.

Lassù, tra le travi di acciaio del teatro, la polvere continua a danzare nei coni di luce dei riflettori, proprio come faceva vent'anni fa. Le storie che contano davvero sono quelle che non ci lasciano uguali a come eravamo quando si è alzato il sipario. E mentre l'ultima nota sfuma nel buio della sala, rimane solo la consapevolezza che ogni incontro, anche il più sgradevole, porta con sé il seme di una trasformazione che non possiamo ancora comprendere del tutto.

Sulla strada bagnata dalla pioggia di Manhattan, dopo lo spettacolo, la gente canticchia ancora quel motivo saltellante, ignara di quanto sia profondo il solco lasciato da quelle parole. Forse è proprio questa la vittoria più grande di un autore: creare qualcosa che entri nel quotidiano, che diventi la colonna sonora dei litigi e delle riconciliazioni di persone comuni. Non sono solo note su un pentagramma; sono piccoli frammenti di verità che ci portiamo a casa, stretti nel palmo della mano come sassi preziosi raccolti sulla riva di un mare sconosciuto.

Mentre le attrici tornano nei loro camerini per struccarsi e togliersi di dosso la polvere verde e i vestiti di seta, l'eco di quella domanda continua a vibrare nell'aria gelida della notte newyorkese. È il suono di un'epifania che si rinnova, un battito cardiaco condiviso che ci ricorda, con una semplicità disarmante, che non siamo mai soli nelle nostre tempeste emotive. Quello che sentiamo è reale, è potente, ed è esattamente ciò che ci rende umani.

L'ultimo faretto si spegne con un clic metallico, lasciando il palcoscenico immerso in un'oscurità che sa di attesa.